The Industry

Ahora que acaba el verano y entra el otoño, retomo la actividad. Hice un parón ya que suele costarme bastante exigirme en proyectos en solitario, pero he tenido una buena idea para retomar las entradas más allá de las críticas (en esta nueva "temporada" voy a intentar hacer algo más que eso), por eso, hoy voy a hablar de la industria.

La industria es un término que surge en Los Ángeles, para referirse a lo que da trabajo a un amplio sector de los ciudadanos que allí residen. El cine. Ya seas actor, productor, guionista, director, camarógrafo, formas parte de la industria. De esta se han generado muchas leyendas, algunas creíbles, muchas dudosas y otras increíblemente bizarras.
Según que web visites y a qué "expertos" consultes, habrá unos actores más excéntricos que otros y también más insoportables. Por poner un ejemplo, he leído dos cosas completamente opuestas sobre Christian Bale: por un lado, María Valverde - actriz que actuó junto a él en "Exodus" (2014) - sostiene que el británico es una persona encantadora y que la ayudó desde el minuto 1 en el que entró al set de rodaje; por otro lado, también leí (no recuerdo donde) que Bale era un hombre con un fuerte temperamento y que tenía por norma contradecir a director y actores, imponiendo su papel de estrella.
Con este ejemplo, vengo a decir que es muy difícil conocer los entresijos de la grandísima tela de araña que es Hollywood y más aún con centenares de medios sensacionalistas - americanos y extranjeros - buscando rellenar páginas y completar artículos con mentiras y escándalos (casualmente nunca comprobados).

El paseo de la fama y los estudios Universal son desde el punto de vista del turista medio californiano la cúspide del cine mundial aunque, por suerte, queda muy lejos de ser la verdadera cima del séptimo arte. El cine independiente, apartado (aunque no del todo) de la industria, busca competir con los 'blockbusters' de las grandes compañías y, con cada vez más apoyo de grandes actores, el cine indie se está convirtiendo en una alternativa real al cine de estudio.
El cine independiente americano cuenta con dos factores muy potentes: una fuerte influencia europea (el cine italiano, el francés o el británico están en auge dentro de los sectores más cinéfilos) y el toque justo de "americanada" para que la película entre sola. Blue Valentine, dirigida por Derek Cianfrance y protagonizada por Ryan Gosling y Michelle Williams, es el ejemplo que más me gusta poner cuando hablamos de cine independiente estadounidense.

Por otro lado, la industria ha pasado por altibajos durante toda su historia. Uno de sus mayores 'capuzones' fue a principios de los 50, cuando el senador Joseph McCarthy creó el Comité de Actividades Antiamericanas, con la intención de destapar y encarcelar a los trabajadores de la industria que perteneciesen o ayudasen al Partido Comunista. Con esto, se formó la leyenda de "Los Diez de Hollywood", un grupo de guionistas y directores (entre los que se encontraban Dalton Trumbo, Lester Cole o Albert Maltz) que tuvieron que vivir las represalias del gobierno estadounidense por su ideología de izquierdas. Elia Kazan por medio de la delación, facilitó al gobierno los nombres de estos diez hombres que nunca pudieron volver a trabajar bajo sus nombres reales, pues los estudios no querían verse involucrados en asuntos políticos.

Esto es, a grandes rasgos lo que más importante e interesante me parecía de la industria cinematográfica estadounidense. Hollywood es y será la meca del cine, pero no es oro todo lo que reluce.

Taller Capuchoc (2014), de Carlos Padial - #AtlántidaFilmFest

Esta metáfora sobre las penurias del escritor rodada como un "falso documental" intenta entrar en una corriente que está ganando fuerza en el mundo low cost, el humor (existencial) absurdo. Una sucesión de sinsentidos que por el mero hecho de ser eso, sinsentidos, tienen gracia. Decidí ver esta película por la buena prensa que había obtenido, aunque ya he mostrado mi desacuerdo con los críticos de la prensa, digamos, profesional. Como he podido constatar, vuelvo a estar en desacuerdo, y aunque tengo que reconocer que me he reído, me he pasado más tiempo moviendo el cursor para ver cuanto le quedaba. De Carlos Padial, hay decir que ha maquillado el guión con una dirección correcta.

Por decir algo bueno, la actuación de Miguel Noguera y Xavi Daura son dos aspectos muy positivos de la película, así como el monólogo inicial, que me ha parecido, de largo, lo más gracioso de la película. Después de 'Taller Capuchoc' y 'Mi loco erasmus' (2012), quizá es hora de que Padial pruebe otro género distinto.
Valoración: **

Todo Parecía Perfecto (2014), de Alejo Levis - #AtlántidaFilmFest

Es la primera película que tengo oportunidad de ver de este festival de cine online, y la verdad, ha puesto un listón muy alto. Me decidí por ella por razones puramente sentimentales, me apetecía ver algo como 'Stockholm' (2013), de Rodrigo Sorogoyen; y esta película daba el perfil. Una pareja, y un guión de hora y veinte aproximadamente, confiaba en que no se hiciese muy pesada y me ayudase a pasar la tarde. Y la verdad, que no solo se ha acabado muy rápido, si no que he quedado muy satisfecho. Jordi Rico y Andrea Trepat desprenden química en cada secuencia y a ello se suma una historia contada con mimo y cariño (gracias a una dirección de fotografía espléndida, todo sea dicho) por su director. Con el paso de los minutos aumenta el desconcierto y apetece entrar en un horizonte de sucesos (del que bien hablan en la película) para que la película no termine.

Una película muy potente visualmente hablando y un argumento que hace las delicias de los espectadores soñadores. Por lo poco que conozco mis gustos sobre cine, tiene muchas papeletas para ser mi favorita del Atlántida Film Fest.

Valoración: ****1/2

Baratometrajes 2.0 (2014), de Daniel San Román y Hugo Serra

En un momento en el que la historia quedó supeditada a la espectacularidad y al dinero, la corriente low cost llegó al cine español para salvarlo del bochorno que en muchas ocasiones producía. Con esta corriente llegó un cine verdadero, creado a partir de los recursos de los que disponían los integrantes de los proyectos que surgían de esta revolución. Estos recursos no siempre eran los mejores, pero permitían hacer arte a un coste mínimo. Internet ayudó aún más a la revolución, poniendo a disposición de los directores y productores low cost, plataformas que permitían exhibir el trabajo, gratis o cobrando, pero a un precio infinitamente más asequible que una sala de cine. En este contexto, surge Baratometrajes y posteriormente su segunda parte, Baratometrajes 2.0.

En esta segunda parte se entrevista a cineastas, exhibidores, productores y gestores culturales que tratan el tema del cine desde dentro. Este trabajo saca la putrefacción del cine español a la vista de todos y nos invita a pensar en estos cineastas independientes como la clave de la regeneración de la cinematografía del país. Además, trata no solo las historias que cuentan estos directores en sus filmes, si no su forma de entender a los espectadores (por qué piratean, por qué se prefiere el cine extranjero...) y sus propuestas de cambio para una industria saneada y saludable. Baratometrajes es el escaparate del nuevo cine en España, del cine que de verdad llega y hace sentir en salas de cine.

No pasa desapercibido que el cine español en los últimos tiempos se ha esforzado más en conectar con el público, quizá porque sabían que la forma en la que estaban prostituyendo al séptimo arte les estaba costando espectadores y, lo que más les importa, dinero. Por eso y por la aparición de plataformas como Filmin, el cine independiente a precios asequibles (en ocasiones hasta 8 veces menos que en una sala de cine), hacía que los cinéfilos, de los que verdaderamente se alimenta la industria, se quedasen en sus casas viendo películas de jóvenes directores que no habían tenido oportunidades en el mundo de los grandes estudios. Y a juzgar por lo que hemos visto de algunos directores con grandes presupuestos, quizá estos jóvenes rechazados por la industria, podrían enseñar de cine al 70% de miembros de la industria.

Porque al contrario de lo que piensan los grandes estudios, Baratometrajes nos enseña que el dinero no lo es todo. Porque sin (tanto) dinero también se puede hacer buen cine. Y ejemplos de ello son, Ilusión (2013), de Daniel Castro; Historias de un director idiota (2009), de Sergio Candel; o Esperando Septiembre (2011), de Tina Olivares.

En definitiva, este documental trata de abrir los ojos de los espectadores, mostrándonos que hay algo que no se puede comprar con dinero, la creatividad, la pasión y la ilusión por hacer cine y contar historias.

Lo mejor: el tono optimista del documental que, lejos de inspirar la idea de que sin una gran financiación no se puede llegar a ningún sitio, nos muestra los logros de una serie de autores que han destacado a través del low cost.
Lo peor: quizá que dentro del tono general de optimismo se haya generado un optimismo de circunstancias, es decir, que se haya generalizado en el documental las pocas opciones de llegar a un lugar en el cine de estudio.
Valoración: ****1/2

El gurú de las bodas (2015), con Kevin Hart

Para mi, no sé si alguna vez lo habré dicho en Twitter, Kevin Hart es el actor que consigue hacerme más gracia con menos esfuerzo. No sé si será por su personalidad fuera de las cámaras, por su increíble carisma, o no sé que será, pero me parece un excelente actor cómico. Por eso, cuando surgió la oportunidad de ver el Gurú de las bodas, no pude negarme. Tenía que ir.

Doug Harris (Josh Gad) no consigue encontrar un padrino para su boda, por lo que recurre a los servicios de Jimmy Callahan (Kevin Hart), un padrino profesional. En una semana tendrán que preparar a Doug y a sus 'amigos', para que todo salga perfecto en su boda con Gretchen (Kaley Cuoco).

La película tiene el argumento idóneo para que se logre empatizar con el protagonista y para que la evolución de la relación entre este y el personaje de Kevin Hart, se convierta en el punto humano de la película. Por lo demás, es una serie de gags tras otros, que pueden (o no) hacerte gracia. A mi me la hicieron. Cada vez que hablo sobre películas de comedia, sobre todo a raíz del estreno de "El lobo de Wall Street", tengo que salir a defender al género, pues pocas películas cómicas han tenido éxito entre crítica y espectadores. Normalmente, la comedia es aceptada por el espectador pero no por el crítico y, desde aquí, mi humilde lugar en el mundo del cine, quiero que se acabe. La comedia debe regirse por otros criterios que no sean el puramente visual. Para mi, los diálogos del Gurú son sencillos, pero graciosos. Cortitos y al pie. Como debe ser. Aunque muchos críticos se nieguen a reconocerlo, prefieren las comedias con aspiraciones que las comedias que solo quieren ser eso. Pero ni todas las comedias con aspiraciones son "el Lobo de Wall Street", ni todas las comedias que solo quieren hacer reir son "American Pie". Examinemos el punto medio, que es donde está la virtud.
Volviendo a la película, Josh Gad y Kevin Hart se muestran sobresalientes en el aspecto interpretativo, mientras que la historia avanza de forma amena y sin decaer en el ritmo. Tiene un ritmo sostenido, que no es excesivamente alto, pero que encuentra la virtud en la forma de manterse.
La dirección de Jeremy Garelick es de manual, no aporta nada a la historia, y se limita a dar vida a un guión bien estructurado pero predecible.
El tráiler, a toro pasado, deja bastante mal a una película que a mi parecer merecía un tráiler mucho mejor organizado.

Lo mejor: Kevin Hart y Josh Gad, en general, y sus bailes, en particular.
Lo peor: Dentro de una película donde todo es correcto, sin despuntes, Jeremy Garelick deja que desear con una dirección tan básica. Cualquier persona que haya visto el suficiente cine podría dirigir la película como él.
Valoración: **1/2 (sobre 5)

¿Quién es? - El juego

Esto es algo que me he planteado durante las últimas semanas. Un juego, que he pensado puede ser divertido y puede permitir que los lectores y el blog interactúen. Os cuento mi idea:

Cada semana, describiremos a un personaje de película (no siempre protagónico, pero tampoco rebuscado de más), se avisará por el twitter del blog de que está colgada la descripción del personaje, y a través del propio twitter, tendréis que responder de quién creéis que estamos hablando. El primer acertante conseguirá 3 puntos, el segundo 2 y el tercero 1. Además de esto, el primer acertante elegirá el personaje de la semana siguiente siguiendo las directrices que le indiquemos (para que tampoco sea un imposible para los demás).

Al final de cada mes, quien más puntos haya obtenido podrá: a) pedir la crítica de la película que quiera o b) escribir el mismo la crítica de la película que quiera.
Al final del año, el que más puntos tenga obtendrá un mes de suscripción gratuita a Wuaki TV (si no la utilizas tendrás dos, el que tienes contratado y el que te proporcionamos nosotros; y si ya la utilizas tendrás el que te proporcionamos nosotros).

Para inscribirse en el torneo es tan sencillo como escribir un 'tuit' donde ponga lo siguiente: "@Butaca19 #QuiénEsButaca19 participo"
Tras esto, os pediremos por DM el correo electrónico para enviaros unas sencillas reglas y listo. ¡A Jugar!

Se aceptarán nuevos usuarios durante todo el concurso.

El Inocente (2011), de Brad Furman

No suelo consumir cine de abogados, no sé porqué, pero no es un género que me llame demasiado la atención. No obstante, la cinta de Brad Furman cayó en mis manos por casualidad y, tras haber escuchado que con ella comenzó el renacer de Matthew McConaughey, no pude evitar ponerla y ver de que se trataba. Y hay que admitir que no estuvo nada mal.

Mickey Haller (Matthew McConaughey) es un abogado criminalista, que es contratado por Louis Roulet (Ryan Philippe), un joven ricachón de Beverly Hills para defenderlo de un intento de homicidio. En principio, el caso parece bastante fácil, pero pronto descubrirá que no todo era lo que parecía.

La película está dentro de un género que se popularizó a finales de los ochenta y principios de los noventa, siendo exprimido hasta la última gota. Después, los dramas judiciales pasaron a la televisión de donde no han salido hasta hoy día. Esta película, que podría ser un remake de un estereotipo de película del género, cumple sus expectativas y genera entretenimiento durante algo menos de dos horas. Brad Furman demuestra su estudio del manual "como hacer cine", contándonos una historia desde la absoluta y tediosa formalidad, procurando no alterar el guión adaptado de la novela de Michael Conelly. Con oficio consigue impersonalidad, ya que cualquiera podría dirigir la película como lo hizo Furman.

Las interpretaciones son el punto fuerte de la película. Los que hablaban del renacer de McConaughey, tenían mucha razón, este fue el principio de la rutilante estrella que es ahora (no de la de comedias románticas de la hora de la siesta, si no de películas de verdad). La industria debería reconocer el mérito a esta película en ese sentido, ya que consiguió que Matthew cambiase de tercio para ser algo más que el chico rico y atractivo. Marisa Tomei, William H. Macy y Ryan Phillipe acaparan los minutos de los secundarios en pantalla, dándole un importante refuerzo a la película y a la ya de por sí valiosa actuación de McConaughey.

'The Lincoln Lawyer', título original de 'El Inocente', es una película entretenida, formal y que en ningún momento quiere ser más de lo que es. No obstante, con el elenco del que dispone, puede permitirse delirios de grandeza. No obstante, se le pudo sacar más jugo a la desconcertante personalidad de Haller y la situación en la que se encuentra.

Lo mejor: La portentosa actuación de la generalidad del casting, lo que permite a la película, con una trama más que utilizada, merecer ser vista.
Lo peor: El apresurado final.
Valoración: **1/2 (de 5)

Así me enamoré del cine

Me comprometí conmigo mismo a no publicar en el blog hasta que no encontrase algo que mereciese la pena. No quiero dedicarme solo a hacer críticas, pero odio redactar noticias, puesto que para eso están los miles de blogs y cuentas de twitter que difunden noticias sobre cine y series. Y hoy, después de ver La rosa púrpura del Cairo (1985), de Woody Allen, sentí la necesidad de escribir algo sobre cómo y porqué llegué a enfrascarme en el mundo del cine.

Como para la protagonista, Cecilia, las películas significaban un remanso de paz y tranquilidad para el estrés o el agotamiento del día a día. Obviamente yo con una vida bastante menos dura que la de una mujer en la Gran Depresión, pero no había nada mejor que llegar a casa, ponerme cómodo y disfrutar de dos horas de historia. La historia podría ser mejor o peor, pero siempre me servía para desconectar del mundo real y vivir la trama que Woody Allen, Quentin Tarantino o Steven Soderbergh me querían contar. Me rebanaba los sesos intentando descifrar porqué ocurría lo que ocurría y si podía haber un doble significado en cada escena. Esto acabó por ser una costumbre y cada vez procuraba ver más y más películas. Un día, comprendí que me encantaría ser capaz de hacer mis propias películas y que alguien en algún lugar del mundo captase lo que yo le estaba queriendo mostrar. Es un reto sumamente complicado y más en España, pero proponérmelo supuso que mi forma de ver el cine cambiase. Ya no solamente buscaba la trama y lo que había tras ella, si no porqué cada secuencia se rodaba de esta o aquella manera. Si alguien usaba un travelling o utilizaba un plano secuencia en una conversación, el director estaba poniendo su firma y por supuesto que esperaba que un plano secuencia diese mayor énfasis a la conversación que el plano-contraplano que está en el manual del director correcto. Yo quería crear historias tan mágicas como las de Woody Allen o tan chocantes como las de Tarantino. Quería ser recordado por películas espectaculares, pero claro, no todo es tan fácil.
Y como todo lo difícil, es atractivo...

Así, me enamoré del cine.

The Interview (2015) , de Evan Goldberg y Seth Rogen

Tengo que reconocer que soy muy fan de las comedias satíricas. Uno de los grandes precursores de este tipo de películas es Sacha Baron Cohen, creador de Borat, Ali G y el Dictador, entre otros personajes. Pues esta película, del mismo estilo que las del realizador inglés, muestra que este tipo de humor sigue teniendo cabida y más si trata un tema de dominio público como la Corea del Norte de Kim Jong Un. Por alguna razón, Corea intentó boicotear el estreno de esta película, lo que alimentó el interés por ella. Desde la primera secuencia hasta la última, las risas son una constante, y el ritmo, que suele ser el gran problema de este tipo de películas, no cae en picado y se mantiene a buen nivel durante las casi dos horas de metraje.

Dave Skylark (James Franco) es un exitoso presentador de televisión, comandado por su productor Aaron Rapoport (Seth Rogen). Ambos se proponen entrevistar al Líder Supremo de Corea del Norte, Kim Jong Un. Cuando lo consiguen, la CIA les pedirá que durante su estancia en Corea, asesinen al dictador.

James Franco y Seth Rogen forman una dupla cómica excelente. Ambos se complementan y permiten que el otro, en el marco del género, destaque, lo que provoca que los dos hagan un gran trabajo. James Franco es un actor que siempre me ha gustado y Seth Rogen es un gran cómico, y tanto uno como el otro se han enseñado mutuamente lo que mejor saben hacer. James Franco es probablemente uno de los actores más solicitados de Hollywood y, sin duda, demuestra que es capaz de rendir en todos los registros: drama, comedia, bueno, malo... lo que le ha llevado a trabajar con grandes directores como Wim Wenders.

The Interview, es una comedia alocada que muestra el blindaje al que Corea se encuentra sometido y el gran poder de manipulación del líder norcoreano ante aquellos que intentan atacar al régimen comunista establecido allí. Dentro del surrealismo que inunda la pantalla durante la película, nos llama poderosamente la atención el intercambio de mordiscos en el que Seth Rogen se ve envuelto o el paseo en tanque amenizado con Fireworks de Katy Perry.

En definitiva, aún conociendo sus limitaciones y defectos, veo en The Interview una gran comedia que hubiese vuelto a ver después de terminarla.

Lo mejor: Que se demuestre que se pueden seguir generando películas satíricas dignas, y que no parezcan ridículas.
Lo peor: Ciertos efectos especiales horribles.
Valoración: **1/2

Cincuenta sombras de Grey (2015), de Sam Taylor-Johnson

Quiero empezar la crítica hablando de algo que me ha llamado muchísimo la atención: es impresionante la forma en lo que se ha puesto verde a esta película, sólo por el hecho de ser esta película, sabiendo que una mala crítica a esta película es sinónimo de muchas visitas. A ver, no se podía esperar ver una grandísima película. La cinta, tiene la única función de entretener al público y representar un best seller. No existen errores gravísimos. Me explico: la película es lo que es. Una dirección básica, comandada por el argumento y el trabajo de E.L James. Un reparto correcto, que no sobresale, pero tampoco estorba. Y un guión que en ciertas secuencias escenifica al pie de la letra lo que en el libro original está escrito. Obviamente, no es una película notable. Pero su función la cumple.

La joven estudiante Anastasia Steel (Dakota Johnson) tiene que entrevistar a Christian Grey (Jamie Dornan), un joven millonario del que pronto quedará prendada. Él, atraído por ella, la llevará a su mundo, en el que la prioridad es explorar los límites de su sexualidad.

En cuanto a los actores destaco a Jamie Dornan por encima de Dakota Johnson. La actriz es poco convincente en los momentos donde Anastasia Steel debe, en teoría ser más "pícara". Dornan, ante las críticas por no ser el "mejor Christian Grey", ha sacado su mirada seductora y un potente carisma para salvar el papel de Christian Grey que según las grandes fanáticas de la saga, hubiese estado mejor interpretado por Matt Bommer.

Referente al guión, me sorprende que hayan podido "resumir" las partes eróticas en secuencias relativamente breves, aportándole mayor protagonismo a la evolución de la relación entre los personajes. Y tengo curiosidad por conocer las restricciones que la autora puso a la escritura de este.

En definitiva, la película es puro entretenimiento y cuenta una historia que ha conseguido enganchar a miles de lectoras en el mundo y que, opino que con las películas, también de espectadores masculinos. ¿Es una buena película? No. ¿Merece las críticas tan duras? No. ¿Vas a ver "Cincuenta Sombras Más Oscuras"? Sí, porque quiero saber como acaba.

Lo mejor: Jamie Dornan y el argumento, que sin ningún otro fin que enganchar al lector/espectador, lo puede haber conseguido o no, pero no es la peor película.
Lo peor: Los cambios de luz de una secuencia a otra, que casi me dejan ciego.
Valoración: **

Lo reconozco: me gusta Jane the Virgin

Fuente: The CW Network

Lo cierto es que desde que Gina Rodríguez (Jane), ganó el Globo de Oro a mejor actriz de serie televisiva, me provocó cierta curiosidad la serie. Además, leí artículos y críticas donde se veneraba el aspecto telenovelesco para una serie actual. Cada vez que leía algo, quería verla más, y no tuve más remedio que ponerme el primer capítulo.

Podría reseñar los capítulos, pero las series es un apartado del que quiero aprender más antes de incluirlo en mi blog, donde -intento- hablar con propiedad, y por eso hablo sobre cine, un apartado donde me siento más cómodo. Es una pequeña entrada, nada importante, pero quería hablar de una serie que me ha causado una grata impresión. 

La serie es una comedia basada en la vida de Jane, una chica virgen a la que inseminan por accidente una ginecóloga suplente. Esto, unido a que el esperma pertenece a un hombre con el que ella ya había estado años atrás, es el escenario perfecto para una parodia de los culebrones latinoamericanos. Hasta ahora solo he visto dos capítulos, y a la espera de los demás, tenía que escribir sobre ella.
El estilo es algo fresco, pues con los instrumentos básicos de una telenovela, se ha logrado una comedia fresca y amena para todos los públicos. Si bien, confío en que no decaiga el nivel con el que ha comenzado, veo ciertos puntos que pueden explotar y convertir a la serie en una habitual de las entregas de premios por Gina, si no también por otras interpretaciones y la serie en sí que es justo lo que yo, personalmente, estaba buscando.
Por otra parte, he de reconocer que el cariz surrealista que toma desde el primer momento (que permite emular de forma tan acertada a las telenovelas) te invita a continuar viendo capítulos y sin ser un humor absurdo y tosco, hacerte reir con gran facilidad. Yo voy a seguir muy de cerca la serie y quizá, cuando termine la primera temporada me anime a hacer una crítica global de esta.

Por el momento, recomiendo al menos ver el episodio piloto. A partir de ahí, cuestión de gustos.

La teoría del todo (2014), de James Marsh

Tengo que reconocer que antes de ver la película sentía una fascinación brutal por el personaje (y la carrera, por supuesto) de Stephen Hawking. El gran físico británico siempre había despertado en mí el interés desde que era más joven, cuando empecé a estudiar física en el instituto y tuve un tiempo en el que firmemente quería dedicarme a ella. Él era, obviamente, el referente. Además, superando obstáculos que nadie creía que podía superar. La mente más portentosa del mundo, más que la de Einstein incluso, según aseguran algunos. Tras ver la película el lado sentimental de esta ha terminado de ganarme en favor de Hawking, del que desde hoy me declaro fan.

La trama gira en torno a la relación de Stephen Hawking (Eddie Redmayne) y su primera mujer Jane (Felicity Jones), en la continua degeneración que la enfermedad provoca en su cuerpo. Hay que destacar que Stephen Hawking dio el visto bueno a esta película y fue, junto a su ex mujer Jane, los primeros en ver el resultado final.

La impresión de la película ha sido positiva en todos los aspectos, destacando dos en particular: el técnico y el sentimental. Es una adaptación del libro "Hacia el infinito - Mi vida con Stephen Hawking", escrito por Jane Hawking. Como adaptación (y biopic) la película lucha contra el hándicap del libro y la no originalidad de un director o guionista. Se han limitado a contar una historia que interesa a millones de personas, y francamente, la han contado de cine (nunca mejor dicho). Al igual que otras grandes adaptaciones como 'El club de la lucha' o 'Una mente maravillosa', o biopics como 'Rush', han obtenido grandes críticas, esta película no es menos y a la vista está los méritos y nominaciones obtenidas.

James Marsh viene principalmente del cine documental, lo que claramente le ha ayudado en el rodaje y realización de un biopic, que no dista mucho de los trabajos que había realizado con anterioridad. Ha hecho un trabajo técnico muy correcto y ha sido determinante para que la historia adquiera un cariz profundo, más allá de lo terrible de la historia. Para hablar de Eddie Redmayne, tengo que contar que venía algo confuso con la película y tras el Globo de Oro que obtuvo, manifesté en mi twitter que no era un premio 'justo' y creía que la cinta transcurría cuando Hawking estaba ya en silla de ruedas, no obstante, la degeneración tan visual que he podido ver me ha callado la boca. Solo puedo pedir disculpas a un Eddie Redmayne increíble y, por desgracia, me apena que Michael Keaton tenga las papeletas de robarle un premio Óscar que merece como el que más.
Felicity Jones cumple también con el papel de forma notable y, veo en ella reflejada a miles de mujeres/madres luchadoras que merecen absolutamente todos los reconocimientos del mundo.

En resumen, 'La teoría del todo' es una película muy bien hecha, que muestra el lado más trágico de la vida de Hawking desde el punto de vista de su relación, tormentosa por culpa de su enfermedad. Una película que hay que ver.

Lo mejor: Eddie Redmayne y su brutal interpretación del genio británico. Ha creado un personaje con el que solo se puede empatizar y, si te deja indiferente, es que no tienes corazón.
Lo peor: El poco desarrollo de la relación con Jonathan (Charlie Cox) y Jane Hawking, aunque claro, es lo que hay en el libro, más no se puede sacar.
Valoración: ****

Boyhood (2014), de Richard Linklater

No sé si habéis visto Mi Top 10 de películas estrenadas en 2014, (si no lo habéis hecho aún podéis verlo clickando aquí) pero esta película, ampliamente aclamada por la crítica, no estaba presente en la lista. La razón es bastante sencilla: no es una película, es la realidad, la vida cotidiana de millones de personas, de padres e hijos, que pasan por momentos complicadísimos durante toda la vida. Esta película muestra, sin duda, lo extraordinario de la cotidianidad humana, lo extraordinario que hay en nuestro día a día. Richard Linklater nos ha traído una obra de arte que explica, a la perfección, lo que siente una persona al divorciarse, al vivir con padres diferentes, el maltrato, la adolescencia, al no llegar a pagar las facturas... lo que tristemente le ocurre a millones de personas.

La historia trata la vida de Mason (Ellar Coltrane), desde los seis años y durante más de una década, en su relación con su familia, los amigos que deja atrás (y los que aparecen en el camino) y con el mundo en general, mientras busca encontrarse a sí mismo.

La película ha tenido mucha repercusión mediática por el hecho de estar rodada en un segmento de tiempo de 12 años, aunque en solo 39 días de rodaje. Esto quiere decir que los personajes son los mismos durante toda la película lo que te lleva a empatizar con cada personaje de forma especial. Conocemos a un Ellar Coltrane de tan solo seis años y lo llegamos a ver con dieciocho. Conocemos a su hermana Samantha (Lorelei Linklater) poco mayor que él y la dejamos hecha toda una mujer. Es una sensación que crea una empatía que jamás había vivido antes con una película.

Cuando terminé la película pensé en hacer la crítica directamente pero me di cuenta que no había nada que criticar y, no quería hacer una 'review' para decir no tiene fallos. Pero después de un par de días, sigo pensando que todo es como mínimo notable en la película. Las actuaciones son todas muy buenas, pero destacaría a Ellar Coltrane y a Ethan Hawke que son los dos personajes que presentan una evolución más compleja o que más distan del punto de partida al final de la cinta.
El guión se adapta a los tiempos que aparecen en la película y creo que su rodaje en doce años supone un punto a favor, ya que pueden adaptarse las partes a la época en la que se vive, dándole máximo realismo a los hechos y situaciones de la película.

En definitiva, Richard Linklater ha conseguido dar una lección de cine mayor que las que otros grandes directores le dieron a Laurent Tirard de forma visual. Ha transformado la vida de un adolescente en poesía audiovisual. El cine en su máxima expresión.

Lo mejor: la muestra de poderío visual que da la película sin necesidad de ser explícita en ningún momento (sexualidad, violencia...). El apogeo de lo sugerente.
Lo peor: que hasta dentro de mucho tiempo no volveremos a ver una película de este calibre.
Valoración: *****

Mi Top 10 de películas estrenadas en 2014 en España

A  ver, este top es un poco especial. No las voy a ordenar por mejores películas. Porque obviamente, faltarían algunas, este top es de aquellas películas que me han transmitido a mi, personalmente más. Es por ello que no va a haber explicación de la posición de las películas.

10. La venus de las pieles, de Roman Polanski

9. A propósito de Llewyn Davis, de los Hermanos Coen 

8. Alabama Monroe, de Félix van Groenigen

7. Dallas Buyers Club, de Jean-Marc Vallé

6. La Gran Estafa Americana, de David O. Russell

5. Nebraska, de Alexander Payne

4. El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson

3. El Lobo de Wall Street, de Martin Scorsese

2. Her, de Spike Jonze

1. Interstellar, de Christopher Nolan

 

El fuego de la venganza (2004), de Tony Scott

Si te digo que vas a ver una película del hermano de Tony Scott (hermano de Ridley Scott) y escrita por Brian Hegeland, guionista de L.A Confidential y Mystic River, pones buena cara y te sientas frente al televisor con ciertas expectativas. Y si cuando empieza la película descubres que el protagonista es Denzel Washington que te encanta, pues vas y te haces palomitas porque tienes claro que vas a disfrutar como un niño pequeño.

México D.F. Un agente del gobierno estadounidense (Denzel Washington) acepta el trabajo para proteger a una niña (Dakota Fanning), cuyos padres han recibido amenazas de secuestro. Él se encariñará tanto de la niña que cuando la secuestran jura vengarse de cualquiera que estuviese implicado en el rapto. La película es un remake de "Bala blindada" (1987), de Elie Chouraqui.

Leí críticas que decían que la película tenía como única intención glorificar a Denzel Washington, lo que no saben es que él se glorifica solo con actuaciones como ésta. La cinta tiene una duración algo excesiva, si es verdad, y se podrían haber simplificado algunas partes para no hacer el giro argumental tan largo, no obstante tampoco sentí aburrirme en ningún momento. En la película pasan cosas todo el rato y eso es algo que se agradece, ya que con su duración, un bajón en la película hubiera supuesto el empezar a dar cabezadas. Argumentalmente me encanta y por eso quiero ver la primera versión de la película, aunque según algunas críticas que he podido leer de esta cinta francesa, las expectativas son bajas.

Repitiendo lo de Denzel, realiza una actuación en su nivel, muy correcta, y tengo que reconocer que en las apariciones de Dakota Fanning en pantalla, sentí algo especial. Es una pena que no me pasase lo mismo con Night Moves (2013) (película interesante, que algún día comentaré) o Very Good Girls. Mención especial merece Christopher Walken, al que considero uno de los actores míticos de la industria, y también Mickey Rourke que aunque desde "El luchador" (2008) ha entrado en un declive imparable -entró antes, pero esta peli fue un repunte importante-, no está mal en su poca participación en la película.

Tengo que reconocer que, en cuanto al reparto, me sobra algún personaje, pero os invito a adivinar cual es, y si queréis podéis comentármelo en twitter (@butaca19) o en un comentario en esta entrada.

En definitiva, es una película entretenida, para pasar el rato. Pura acción y puro Hollywood. ¿La recomiendo? Sí.

Lo mejor: Denzel Washington y Dakota Fanning, sus escenas juntos y el toque de humor del personaje del primero.

Lo peor: Es una película que no es maravillosa, pero no tiene tampoco ningún defecto importante.

Valoración: ***

Exodus: Dioses y Reyes (2014), de Ridley Scott

Algunas historias bíblicas han tenido gran acogida en el cine, la primera de ellas fue 'Los diez mandamientos', protagonizada por Charlton Heston y que obtuvo siete nominaciones al Oscar. Esta cinta que data de 1956, cuenta la misma historia que la que hoy vamos a tratar. Moisés y la liberación del pueblo hebreo. Aunque no son, ni mucho menos, las dos únicas películas que lo hacen.

Otras películas de cariz bíblico, como "La última tentación de Cristo" de Scorsese, "La pasión de Cristo", de Mel Gibson, o "Natividad" de Catherine Hardwick, son películas que llevan a la gran pantalla las sagradas escrituras del cristianismo.

Entrando ya en 'Exodus', dirigida por Ridley Scott, un genio venido a menos (había que decirlo), pero que aún conserva su tirón popular que hace a los más escépticos ante la religión ir al cine esperando un Gladiator (que tristemente, no me encontré).

Como podía esperar de una película de este tipo, aparatosos ropajes, armaduras y armas se acumulaban en la pantalla, al mismo tiempo, los efectos especiales daban sensación al espectador de una épica que no resultaba más que forzada ya que de una historia tan trillada, poco se podía sacar. Aún así, hay que reconocer que Scott sacó algo. Una historia de amor que consigue trascender del caos que se vive en una película donde dos pueblos sufren: uno por ser esclavo del pueblo egipcio; y otro al ser sometido por Dios. La química que desprende la pareja Bale-Valverde, fuera ya de las actuaciones de cada uno (que ahora las comentaré), es bastante evidente. Un actor del calibre de Bale puede lograr conectar con quien quiera, pero creo que esta es una de esas veces en que la química no se fuerza y realmente existe. La historia entre Moisés y Sephora, es quizá el punto más positivo de la historia de "Exodus".

Quizá, un punto que me dejó bastante frío es el momento tan famoso de la apertura de las aguas, del que me esperaba muchísimo más y que ha conseguido dejarme totalmente indiferente y creo que ahí, Scott no ha sabido sacar partido de una de las escenas más míticas de la película.

En cuanto a los actores, está bastante claro que Bale es un titán interpretativo, pero que en esta película no ha exprimido todo su potencial como si que hizo en "The Fighter" o en "American Hustle". Una interpretación correcta, pero en la que no se ha esforzado mucho, por más que se empeñe en recordarnos la intensa preparación del personaje que vivió junto a Ridley Scott. Si hablamos de la representación española en la película, María Valverde, tengo que reconocer que me pareció correcta para ser su primera gran película y no dudo en que esta representará un trampolín para ella. Me aventuraría a decir que es la nueva Penélope Cruz, y creo que no me equivoco mucho. La solvencia con la que resuelve las escenas más íntimas de la película, que siempre tienen mayor dificultad, es un punto a favor para ella y para su carrera. Ha entrado en Hollywood de la mano de Ridley Scott, podemos decir que ha sido por la puerta grande.

Mención especial a Joel Edgerton que hace una interpretación bastante buena, siendo, probablemente, la mejor de la película. La escena con su niño en brazos, hablando con Bale, es quizá una de las más emocionantes de la película.

En definitiva, "Exodus: Dioses y Reyes" es lo mismo que otras películas sobre Moisés, pero con mejores efectos especiales.

Lo mejor: Joel Edgerton y las escenas donde podemos descubrir el lado más humano de Moisés, que suponen un oasis en medio de la caótica batalla entre los egipcios y los hebreos.

Lo peor: El declive (que parece imparable) de Ridley Scott desde Black Hawk Derribado.

Valoración: **1/2

Good Bye, Lenin! (2003), de Wolfgang Becker

Pocas películas tienen tan marcado carácter político, y muchas menos de este género consiguen calar en las mentes de los espectadores, y creo que esta película es una de ellas.
Cuando estudias historia y te interesas por ambas Alemanias descubres algo muy significativo, para cada habitante de la República Federal Alemana, había sido una bendición acabar en el lado occidental; pero también lo era para el habitante de la República Democrática Alemana haber sido criado en la Alemania Oriental. Un mismo país, una misma lengua, pero diferentes sentimientos y una gran separación. Un muro. Este muro, será capital en la historia que Becker nos trae, pero también lo será el ambiente pacífico de los alemanes, tanto en Oriente como en Occidente. Dos muestras preciosas en la película de esto, será la subtrama de la hermana del protagonista y su novio occidental; al igual que la amistad que el personaje encarnado por Brühl entablará con un alemán occidental.

La madre de nuestro protagonista Alex (Daniel Brühl) entra en coma poco antes de la caída del muro de Berlín. Ella, una mujer de pensamientos comunistas, despierta meses después y su hijo intentará por todos los medios que no descubra la reunificación alemana. La película es, a fin de cuentas, la lucha de un hijo por proteger a su madre de lo que podría suponerle un shock definitivo.

Wolfgang Becker, director y coguionista de la cinta, es un cineasta que se ha caracterizado por su poca carga de trabajo, aunque seamos francos, más vale una buena película cada seis años, que una floja cada dos. Tras el éxito que supuso "Good Bye, Lenin", ya en 2009, dirigió un cortometraje en el proyecto "Germany 09", donde grandes cineastas alemanes rodaban uno con una base común: Alemania en 2009. Después de esto, nos llegan noticias de que el citado director y el protagonista de la cinta que nos ocupa, volverán a compartir plató para rodar la adaptación de una novela alemana a las pantallas. Este proyecto, dada la calidad de su anterior colaboración, resulta ciertamente estimulante. Sobre el trabajo de Becker en "Good Bye, Lenin!", no hay mucho que decir ya que lo normal cuando alguien trabaja de forma eficaz es que apenas deje marcas de su paso. Es decir, es un cineasta correcto, que supo elegir el trabajo y un reparto que dignifica una historia magnífica.

El guión, que trabaja sobre una base de comicidad camuflada, ya que la historia principal es, a pesar de todo, triste. Se recurre a pequeñas historias, como la de los pepinillos para aportar un aire de "desenfado" a la trama que tiende a resultar seria por momentos, aunque estas pinceladas logran hacer ver al espectador la película como una ficción agradable.

Un reparto excelente empezando por Daniel Brühl. El hispano alemán es la piedra angular del trabajo y a una edad temprana da una lección magistral de interpretación. Todos los secundarios cumplen su función y hacen que una gran historia cobre un realismo que te absorbe y te hace desear que el protagonista cobre su propósito.

En definitiva, Becker y Brühl demuestran que el cine europeo, es una factoría de éxitos tanto, o incluso más que en Hollywood. Desde "Cinema Paradiso" a "Good Bye, Lenin" pasando por la "Trainspotting" de Danny Boyle (que está preparando una película sobre Steve Jobs, con Fassbender de protagonista, así como dato).

Lo mejor: Daniel Brühl y la eficacia del grueso del reparto y el equipo. Iluminación, dirección, interpretación. Todo notable.
Lo peor: Me faltó un detalle del guión, que tristemente no puedo desvelar para no destrozaros la película.
Valoración: ****

Chef (2014), de Jon Favreau

Ir a un restaurante a probar nuevos sabores, texturas y productos, es algo muy usual entre los amantes de la gastronomía. Podríamos decir que los chefs son artistas, y los platos los lienzos. Cocinar es un arte que Jon Favreau ha sabido tratar en esta película. Carl (Favreau), es un cocinero que tras abandonar el restaurante en el que trabajaba, monta un negocio de comida ambulante, junto a su hijo (Emjay Anthony) y su mejor amigo (Jon Leguizamo). Esto le unirá a su primogénito, al que desde la separación con su ex-pareja (Sofía Vergara), no había prestado la suficiente atención.

Entrando en materia, Favreau se rodea de un reparto verdaderamente imponente. Actores de mucha categoría como el propio Favreau, Dustin Hoffman, Scarlett Johansson o Robert Downey Jr., dan a la película un gran empaque. Actores de renombre que hacen pequeños papeles dando al público actuaciones al nivel de las expectativas. Sofía Vergara, está en la línea ascendente que ha mantenido siempre, la que la está llevando a colaborar con gente como Turturro o Woody Allen. En general un reparto excelentemente escogido, que da un punto extra a la película.

Como película, es ligera y digerible, algo que últimamente es complicado ver en la industria cinematográfica. Son casi dos horas de película y son muy amenas. Es la típica película para ver en familia y pasar el rato. Esto no quita que haya cosas muy buenas como la elección musical, que resulta un acierto total. También tenemos que fijarnos en el guión, que es el típico de una comedia, donde los personajes son planos en su mayoría y solo el del protagonista toma forma dependiendo de la etapa de la película en la que se encuentre. El personaje del niño, podría haber estado mejor trabajado, pero en este caso resulta bastante arquetípico.

Resumiendo, 'Chef' es una película agradable y sabrosa que deja un buen sabor de boca. No obstante, sabemos que tipo de película es y debemos de tratarla como tal, sin pretensiones y con la única intención de saborear lo que el Chef Favreau nos ofrece.

Lo mejor: En dos horas no te aburres en absoluto. Es dinámica, lo cual resulta de agradecer en la comedia de hoy en día que, en ocasiones, es tan repetitiva que desespera.
Lo peor: que un reparto tan impecable como este no haya podido lucirse en otro tipo de película.
Valoración: ***

Test cinéfilo

Por la red encontré este pequeño test que os ayudará a conocer a la cabeza cinéfila que hay tras este blog. Ahí va:

1. La película de tu infancia: El hombre bicentenario me marcó mucho, y eso que la veo ahora y no es para tanto, pero en su momento fue mi favorita.

2. Tu película preferida en estos momentos: Fight Club de David Fincher

3. La peor de todas las que has visto: Monster Brawl de... Bah, es tan mala que no recuerdo al director.

4. Géneros cinematográficos preferidos: Drama, Gángster, Thriller... mientras sea buena no importa.

5. Lloraste a moco tendido viendo: Amor de Michael Haneke

6. Pasaste un miedo espantoso con: No me gusta ver cine de terror, y las pocas que he visto obligado, han sido una basura (Paranormal Activity: los señalados, Insidious...)

7. La más divertida: El Gran Lebowski de los hermanos Coen

8. Cine español o made in Hollywood: De donde sea mientras merezca la pena

9. Una gran decepción fue: Scoop de Woody Allen

10. Mejor actor internacional: Marlon Brando (muerto) / Leonardo DiCaprio (vivo)

11. Mejor actriz internacional: Meryl Streep

12. Mejor actor español: Javier Bardem

13. Mejor actriz española:  Penélope Cruz

14. Peor actor internacional: Taylor Lautner

15. Peor actriz internacional: Kristen Stewart

16. Peor actor español: Maxi Iglesias

17. Peor actriz española: Úrsula Corberó

18. Actriz (en mi caso) más atractiva: Scarlett Johansson


19. Una escena dramática inolvidable: El final de Fight Club, cuando el protagonista y Marla se dan la mano mientras se derrumban los edificios.

20. Una escena cómica: la pelea multitudinaria en Crazy, Stupid, Love.

21. Una escena realmente terrorífica: lo dicho antes, no sé no contesto.

22. Una frase emblemática que recuerdes: "Le haré una oferta que no podrá rechazar" - El Padrino

23. El mejor director internacional de la historia: Alfred Hitchcock

24. Y el mejor director español: Luis Buñuel

25. La mejor película de animación: El Rey León

26. Película más esperada en estos momentos: Magic in the moonlight de Woody Allen

27. Película que esperas tener en la estantería: El Lobo de Wall Street de Martin Scorsese

28. La última que adquiriste: Origen de Christopher Nolan

Open Windows (2014), de Nacho Vigalondo

Internet cada día es menos seguro. Aunque las leyes de protección de datos y las medidas para la privacidad en la red aumentan, cada vez es más fácil para los denominados "hackers" conocer absolutamente todo sobre tu vida con un simple archivo. Esto lo saben las famosas que han sufrido en estos últimos meses el robo de gran parte de sus fotos por culpa de un terrible fallo de privacidad de Apple y sus iPhones. Pues más o menos es esto lo que el cineasta español, Nacho Vigalondo quiere hacernos ver.

Jill, interpretada por Sasha Grey, es una prestigiosa actriz, a la que Nick, su mayor fan, (Elijah Wood), va a conocer en persona. Un tal Chord, afirma a Nick por internet que Jill ha cancelado la cita, y le propone devolverle la jugada. Este es el inicio de un thriller psicológico, que se desarrolla íntegramente a través de la pantalla de un ordenador y que resulta novedoso respecto a la forma de llevarlo a la pantalla y a los efectos visuales introducidos en el montaje de la película.

Se trata de un guión lineal, que trabaja sin pretensiones y que si alguna tiene, es entretener al espectador. Hacer que pase un rato tenso en el cine, como es propio de cualquier Thriller. Elijah Wood y Sasha Grey consiguen convencerte para entrar al juego que propone el villano en la película y si eres fan de este tipo de películas, seguramente saldrás del cine con un buen sabor de boca. Otro dato que me sorprendió, es que según el director, la película había ocupado más de 64 horas de vídeo, lo que suponía que se había creado un software especial para poder almacenar tal cantidad de datos juntos. La dificultad, y riesgo, de estructurar la película de la forma en la que está (rara vez hay más de dos personajes en pantalla) es un plus para una película que va de menos a más, y que termina con unos muy buenos veinte minutos.

Elijah, que ya había probado suerte en el cine español con Grand Piano, volvía a ponerse a las órdenes de un director español, en este caso de un director que realiza un cine muy particular, que tiendes a amar o a odiar, siempre en un extremo. Wood me parece que no da todo lo que tiene, y que en ciertos momentos parece no adecuarse al papel, todo lo contrario que Sasha Grey, que demuestra porqué Steven Soderbergh confió en ella para The Girlfriend Experience. Buena actuación de una actriz que parece tener potencial.

En definitiva, a mi me gusta Nacho Vigalondo, y me parece una buena película. Mejorable, sí. Pero muy correcta.

Lo mejor: la forma en la que da a un subgenero tan típico como el Thriller basado en la obsesión, un toque innovador con su historia y forma de contarlo.
Lo peor: que quizá en esta forma de película el peso de los actores se reduce hasta el punto de ser muñecos para representar, sin que lleguen a poder transmitir gran cosa.
Valoración: **1/2